Современная живопись Латвии

Современная живопись Латвии

- - 08.09.2014
Современная живопись Латвии   Художники о себе, контексте и выставке Художники, принимающие участие в выставке «Современная живопись Латвии», возможно, по какому-то общему принципу классификации, включаются в одну категорию – например, они современники, представители одного поколения, ярко заявившие о себе в искусстве Латвии нынешнего века. Смена столетий совпала с моментом, когда, вначале едва ощутимо, обозначились перемены в самой латышской живописи, особенно в ее отношениях с современным искусством. Преодолев частично исторически сложившиеся, частично институционально навязанные различия, которые прежде разделяли эти области, новые поколения латышских живописцев, действительно, в общем характеризуются как «современная живопись Латвии». Однако все художники, принимающие участие в выставке – это неповторимые личности, каждая со своим индивидуальном, непохожими на других творческим почерком. Поэтому, как бы не казалось заманчивым говорить о них, как об одном целом, хочу обратить особое внимание на различия, услышать персональную мотивацию и выбор каждого. Для этого пригласил высказаться их самих, задав каждому три одинаковых вопроса. Это оправдалось, так как полученные ответы такие разные! Несмотря на то, как художника характеризуют искусствоведы, критики, философы, неоценимыми являются те моменты, когда художники говорят сами. Тогда открываются взгляды, мысли и рассуждения, которые не может предугадать зритель «со стороны». К счастью, поколение латышских художников, которое уже называем «зрелым», способно поведать о своем искусстве «изнутри», открыто рассказывая о переживаниях, взглядах и замыслах, и, одновременно, немного «со стороны» – комментировать выбранный подход в более широком контексте времени и пространства.
ПИТЕР ГРИФФИН «Я ЛИШЬ СЛЕДУЮ ЗА ТЕМИ, КТО ИДЕТ ВПЕРЕДИ МЕНЯ»

ПИТЕР ГРИФФИН «Я ЛИШЬ СЛЕДУЮ ЗА ТЕМИ, КТО ИДЕТ ВПЕРЕДИ МЕНЯ»

- - 08.09.2014
Питер Гриффин Я лишь следую за теми, кто идет впереди меня   О стиле: «Большинство работ этой выставки принадлежит тому времени, когда я почувствовал, что  я, действительно, нашел свой собственный стиль, позволяющий наилучшим образом разрабатывать мои идеи и темы».   Абстрактное и фигуративное: «Нельзя сказать, что живопись стала полностью абстрактной; скорее, это промежуточное пространство между предметностью и абстракцией – это  то, к чему я, на самом деле, стремлюсь; то, что предполагает человеческое присутствие без обязательного наличия фигуры человека». «В то же время, я хотел бы избежать привязок к определенному стилю. Мне кажется, я смог создать что-то вроде визуального алфавита, дающего мне возможность работать в любой живописной манере, так как выбор стиля происходит именно в процессе. В этом я согласен с точкой зрения Матисса, которую тот высказал в своей книге художника «Джаз»: «Заключенный? Художник не должен заключать себя в какие бы то ни было рамки – будь то стиль, репутация, успех…»».
ИЗ КОЛЛЕКЦИИ АЛЕКСАНДРА ВАСИЛЬЕВА «МОДА 60-Х ГОДОВ 20-ГО СТОЛЕТИЯ В ИСКУССТВЕ»

ИЗ КОЛЛЕКЦИИ АЛЕКСАНДРА ВАСИЛЬЕВА «МОДА 60-Х ГОДОВ 20-ГО СТОЛЕТИЯ В ИСКУССТВЕ»

- - 04.09.2014
Из коллекции Александра Васильева Мода 60-х годов 20-го столетия в искусстве Впервые в Даугавпилсе на выставке «Мода 60-х годов 20-го столетия в искусстве» представлена небольшая часть уникальной коллекции костюмов Александра Васильева. А. Васильев – всемирно известный театральный художник, дизайнер интерьеров, искусствовед, историк моды, автор нескольких десятков книг и статей, блестящий лектор, телеведущий. Ему принадлежит одна из самых больших частных коллекций исторических костюмов в мире, которая насчитывает более 50 тысяч экспонатов и охватывает период с 18-го века до современности. В ней не только одежда, но и обувь, аксессуары, фотографии, живопись. Коллекция хранится во Франции и Литве и постоянно пополняется, благодаря подаренным вещам и приобретениям на аукционах и в антикварных магазинах.
Кристины Хаксли “Свечение и отблески”

Кристины Хаксли “Свечение и отблески”

- - 27.08.2014
Кристина Хаксли Сияние и отблески   «Сияние – это отблески взрыва». Марк Ротко «Я не знал, к чему приведет моя работа… я мог себе представить законченный образ без предварительного знания того, как именно он будет выглядеть».  Эдвард Корбетт Кристина Хаксли – художник, живущий и работающий в Дублине  (Ирландия). «Сияние и отблески» – название цикла работ Кристины Хаксли, которые создавались как диалог с выставочным пространством Арт-центра им. Марка Ротко в Даугавпилсе. «Чувствительные картины», берущие начало  с 2000 годов, были написаны именно для контекста Центра Ротко, равно как и картины из нового цикла «Переходное состояние. Сияние и отблески», с тем чтобы создать визуально меняющееся пространство, удерживающее внимание зрителя. В своей живописной практике Хаксли исследует изменение, посредством изучения его визуального и физического потенциала. Ее привлекают эфемерные детали человеческого существования, часто те, которые мы можем ощутить, но не видеть, с особым вниманием к тем, которые подчеркивают ненадежность нашего онтологического бытия. Ее предметы на этой выставке – незаметные глазу вещества; высокая температура, обломки и пыль, имеющие низкую ценность и не поддающиеся измерению; они существуют на периферии нашего бытия. Они – одновременно нечто и ничто. В течение 90-х в работах Хаксли, таких как «грибной цикл», «апельсиновый цикл» и «цикл уплотнений», использовались эфемерные и органические материалы, превращающие невидимые процессы в видимую субстанцию; функционирующие как индексы и каталогизация процесса и изменения. Уплотнение, высокая температура, влажность и другие нестабильные состояния использовались, чтобы представить непрерывность процесса развития и вести диалоги со временем и о том, что есть время и что есть настоящее. Эти «временные» работы функционировали как обсерватория, развивая и усиливая наше восприятие феномена изменчивого и таинственного мира вокруг нас. Для Хаксли живопись является ландшафтом и визуальным полем, где зримое и незримое неотделимы. Она последовательно занималась временными проблемами в пределах живописи. Картины, для Хаксли, всегда меняющаяся субстанция, и они способны изменять окружающую их среду. Почему мы рассматриваем их все еще как статические предметы из прошлого, как будто они – изображения, оставленные из другого времени? Хаксли рассматривает живопись как раз противоположно этому предположению. Отрицая ограничения неподвижного изображения в живописи, Хаксли сначала, в 2000 году, создает свои «чувствительные картины» с  эффектом  изменяющихся поверхностей. Этот эффект достигается путем использования промышленных термочувствительных пигментов, но сами работы являются постоянными и при этом постоянно меняющимися. Медленно изменяясь в течение определенного периода времени, картины трансформируются многократно и результат зависит от среды, в которую они помещены. Они представляют постоянный процесс перехода; постоянный круговорот образов, движущихся из предыдущего состояния в последующее.  За холстами спрятаны нагревательные элементы с  установленным таймером, вызывающие, при повышении температуры,  исчезновение непроницаемо темного цвета с поверхности работы. Когда таймеры выключаются, поверхности возвращаются к своему оригинальному цвету и температуре, и также опять - до следующего  цикла. В рамках ее текущей работы – цикла «В движении» – использованы меняющие цвет пигменты автомобильной промышленности и композиционные стратегии,  акцентирующие ощущение постоянного изменения и быстротечности. Представленный здесь цикл, «Переходное состояние. Сияние и отблески» далее исследует аспект продолжительности в рамках живописи. Оспаривая абсурдное визуальное удовольствие от созерцания взрыва, зачастую наблюдаемого при просмотре фильма и в музыке, картины схватывают момент перехода между состояниями фрагмента и частицы. Большие сияющие картины, изобилующие пометками на карте разрозненных осколков, удаляющихся и как бы плавающих в некой суспензии, обнаруживают нашу привязку к тому, что мы не можем удержать. Картины сделаны, используя традиционные процессы и методы, с наложением нескольких слоев прозрачного двойственного цвета, сливающихся с внешними слоями изменяющих цвет пигментов. Отметки в пределах поверхности накладываются и сталкиваются; повторяясь, словно эхо. Сияющие поверхности отражают и держат зрителя внутри; присутствие зрителя жизненно важно для дальнейшего изменения живописной поверхности, чтобы увидеть поверхность, еще более неуловимую и неожиданную. Начиная разговор между нашим временным и постоянным бытием, видимостью и реальным восприятием, они расширяют наши физические отношения с миром. www.rotkocentrs.lv
ДМИТРИЙ ЛАВРЕНТЬЕВ «ВОСХОДЯЩАЯ ВЕНЕРА»

ДМИТРИЙ ЛАВРЕНТЬЕВ «ВОСХОДЯЩАЯ ВЕНЕРА»

- - 07.07.2014
  Дмитрий Лаврентьев Восходящая Венера   Творческая эволюция  Дмитрия Лаврентьева сопряжена с поиском истоков. Уже с самых ранних работ появляется ощущение, что художник создает «свой» эпос. Его живопись входит в сознание буйной и все нарастающей силой. При этом, она так постоянна в намерениях, так последовательна и проста. В ней все – Человек с его миром чувств и эмоций. Образность его работ восходит к архаичной скульптуре Африки, к традициям индейской культуры, в частности, к мексиканским маскам. Скульптуры Лаврентьева нередко похожи на религиозные артефакты древних племен. Обращение к мифу и примитиву не случайно, так как именно миф вычленяет из любого явления сущностное и возводит его в поэтическую метафору, а примитив провоцирует более острое и непосредственное переживание. Некоторые образы и формы как будто вырвались из мира подсознания, являясь персонификацией глубоко запрятанных страхов, привязанностей, нереализованных желаний. Эстетические пристрастия в искусстве XX века легко прослеживаются:  Баския, Дюбуффе. Пластическому языку художника свойственна невероятная экспрессия и категоричность в образах и в манере высказывания. Работы заряжены мощной, взрывной энергией, буйно выплескивающемся на поверхность холста прерывистым пастозным мазком и протуберанцами яркого, чистого цвета. Мастер выстраивает композицию, начиная от контура каждого элемента и кончая взаимодействием каждого мазка со всей картиной, добиваясь эффекта гармоничного звучания множества интенсивных цветов в единой композиции. Работы – живая субстанция. Огнедышащая жизнеутверждающая сила ощущается в пульсирующей вибрации красок, в рельефной живописной фактуре и динамичном мазке, заявляя о проявлениях материального мира. Автор создает свой «фирменный» алгоритм, который моментально впечатывается в сознание зрителя и обеспечивает мгновенное узнавание его художественного почерка в огромных выставочных павильонах и на групповых выставках. Выразительные и напряженные образы Лаврентьева – сублимация эмоции в ее апогее, будь то торжество любви, материнства или скорбь, отчаяние утраты. Главным предметом его живописных произведений является  исследование человеческого духа во всех его ипостасях. Даже если это портрет реального человека с определенными физическими характеристиками, он вырастает в обобщенный образ – в человека, идущего сквозь времена, с его страхами, радостями и любовью, которые по сути своей вечны.   www.rotkocentrs.lv
ЛАРС СТРАНД «ЗА ГОРИЗОНТОМ»

ЛАРС СТРАНД «ЗА ГОРИЗОНТОМ»

- - 27.06.2014
Ларс Странд – норвежский художник шведского происхождения. Учился в Национальной академии искусств в Осло. Уже многие годы Ларс изучает цвет в его ограниченном диапазоне. Как говорит сам художник, его работам свойственна «полихромная монохромность»: кажущиеся однотонными издали, вблизи они становятся многоцветными, различными по своей текстуре и фактуре. Работая над картиной, создаваемая художником простота становится сложной, а результат – медитативным. В работах присутствует непрерывная ссылка на горизонт в виде ассоциативного восприятия. В  них автор воплотил терпение, точность и сдержанность, характерные народам северной Европы. Однако эта скромность здесь становится вызывающей – она порождает напряжение, резонанс и иллюзию вибрации сознания. Кажется, что работы Ларса Странда не представляют ничего, кроме монотонно заштрихованных холстов, однако их суть завораживающая. При помощи отсутствующего нарратива они ненавязчиво пленят зрителя: значительным становится то, что происходит со зрителем, а не то что отображено на холсте. Работы Странда – это своего рода посвящение медлительной и спокойной рефлексии экзистенциального течения, которое приглашает зрителя видеть, переживать и думать.
Гаудеамус  XVII Даугавпилс 2014

Гаудеамус XVII Даугавпилс 2014

- - 25.06.2014
ОCНОВНЫЕ ЦВЕТА «ОCНОВНЫЕ ЦВЕТА» – это выставка работ ректоров художественных академий Балтийских стран – Эстонии, Латвии и Литвы. Выставка проводится в рамках 17-го студенческого праздника песни и танца Балтийских стран GAUDEAMUS. Так же как и сами академии художеств Балтийских стран, которые выполняют аккумулятивные и генеративные функции искусства, их ректора всегда являлись мощными локомотивами в мире искусства, отличаясь не только хорошими организаторскими способностями, но и харизматичным талантом в сфере искусства. На выставке представлены работы трех ректоров балтийских академий художеств – Алексея Наумова (Латвия), Сигне Киви (Эстония) и Аудрюса Климаса (Литва). Вместе взятые, подобно синергии трех основных цветов гаммы, они способны создать целостную картину современного балтийского искусства.
Александр Карпов «Художник и борец»

Александр Карпов «Художник и борец»

- - 05.06.2014
  Александр Карпов родился 21 марта 1953 года в Америке (штат Айова). По материнской линии Александр происходил из семьи известного общественного деятеля Яниса Волонта, который 14 лет был главой Даугавпилса, а с 1938 по 1940 год – возглавлял Министерство благосостояния Латвии. Его матери, Луции Волонт, чудом удалось избежать высылки в Сибирь 14 июня 1941 года. В 1946 году она оказалась в пересыльном лагере в Германии, где вышла замуж за Анатолия Карпова, и семья перебралась в Америку, родила трех сыновей. Однако через девять лет отец бросил семью, и все тяготы по воспитанию и содержанию детей легли на плечи матери. Маленькому Александру в то время было всего два года.
ЕВГЕНИЙ ШИТОВ «ВЕРБАЛИЗАЦИЯ: СКУЛЬПТУРА, ГРАФИКА, ФАРФОР»

ЕВГЕНИЙ ШИТОВ «ВЕРБАЛИЗАЦИЯ: СКУЛЬПТУРА, ГРАФИКА, ФАРФОР»

- - 27.05.2014
  Евгений Шитов «Вербализация: скульптура, графика, фарфор» Причудливый, полуфантастический мир, творцом которого является художник Евгений Шитов, поражает воображение безудержной фантазией, изобретательностью и карнавальным весельем. Его персонажи – своеобразные гибриды, сочетающие черты реальных и мифических существ – предельно характерны и архетипичны одновременно. Они, как бы, извергаются из пустоты некой  волшебной трубы  под давлением мощного творческого импульса. Труба, неотъемлемый элемент многих работ, как вместилище творящей пустоты, вырастает в философский символ и занимает особое место в художественном мире автора.
Анита Мелдере «Экспрессии. Абстрактная живопись»

Анита Мелдере «Экспрессии. Абстрактная живопись»

- - 27.05.2014
Анита Мелдере «Экспрессии. Абстрактная живопись» Анита Мелдере родилась 18 мая 1949 года. Профессиональное образование художница получила в Рижской художественной школе им. Я. Розенталя (дипломная работа «Распиловщики дров», неформальный руководитель работы – художник  Янис Осис) и Латвийской академии художеств (дипломная работа «С солнцем и с ветром», под руководством профессоров Эдгара Илтнера и Эдгара Калныньша). Художница работает в разных техниках: масло, акварель, акрил, а также в технике литографии. Кроме того, на международных пленэрах в Звартаве, организованных кафедрой керамики Латвийской академии художеств для преподавателей, она работала в технике росписи по керамике и шелку. С 1973 года А. Мелдере состоит в Союзе художников Латвии. Она – магистр искусства (магистерская работа «Атмосферность как качество художественного выражения в латышской живописи 80-90-х годов», 1993), доцент и с 2007 года – руководитель кафедры изобразительного искусства факультета архитектуры и градостроительства Рижского технического университета. С 1995 по 2009 годы она преподавала теорию цвета на отделении функционального дизайна Латвийской академии художеств.